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ESPECIAL. EL DISEÑO DE VESTUARIO FLAMENCO

El arte de la tela en movimiento

Silvia Calado/ Flamenco-world.com, agosto de 2011
Diseño de portada © Yaiza Pinillos

 

Ya lo puso de manifiesto hasta el Guggenheim de Nueva York. El vestuario del baile flamenco es mucho más que ropa. Picasso, Dalí y Néstor llevaron los ismos del arte pictórico a los figurines de las principales figuras del baile español a principios del siglo XX. También los modistos de alta costura redefinieron el traje corto y el de volantes: desde Armani a Galiano, pasando por Montesinos y Alvarado. Aunque son sastres y modistas, especializados pero anónimos, quienes más han materializado en tela sus ideas y las de los propios artistas. Y hasta hay bailaores que se autodiseñan y hasta confeccionan sus figurines. Ahora, jóvenes vestuaristas como Yaiza Pinillos investigan nuevas posibilidades de los cortes y las telas en busca de la belleza, el movimiento, la contemporaneidad y la expresión buscada por los bailaores de hoy.

 
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Diseño de Néstor para 'Fandango del candil' (Museonestor.com)

La espiral que Frank Lloyd Wright creó para albergar los tesoros de la Fundación Guggenheim en Nueva York se vio un día llena de movimiento. ‘Dressed to dance’, enmarcada en Flamenco Festival New York 2010, fue una exposición coreografiada en la que bailaoras como María Pagés y Rocío Molina lucieron trajes históricos del baile flamenco y la danza española. En total, fueron setenta las piezas expuestas, algunas de ellas creadas por Picasso o Dalí. En los primeros años del siglo XX no eran extrañas las conexiones interdisciplinares. Ambos pintores crearon no sólo trajes, sino también telones. Lo mismo que Néstor quien, entre el modernismo y el simbolismo, realizó figurines y escenografía para ‘El amor brujo’ de Manuel de Falla, estrenado por Pastora Imperio en el Teatro Lara de Madrid en 1915; y para el ballet ‘Triana’ de Albéniz, estrenado en 1929 en la Ópera Cómica de París por la compañía de Antonia Mercé ‘La Argentina’.

Ya andado el siglo XX y encaminado el  XXI, ya no serán los artistas de la posmodernidad quienes diseñen trajes para el baile flamenco, sino renombrados modistos de alta costura. Armani vistió a Joaquín Cortés en su escalada hacia el éxito mundial. Más adelante, fue Jean Paul Gaultier quien diseñara el vestuario de su espectáculo ‘Mi soledad’. Sara Baras contó con Sybilla para vestir su versión de ‘Carmen’. Eva Yerbabuena tuvo a Francis Montesinos en ‘La voz del silencio’. Farruquito va en ‘Puro’ con trajes de Victorio & Lucchino. De Loewe era la espectacular bata de cola de ante blanco que lució la cantaora Estrella Morente para homenajear a La Niña de los Peines en el Patio de los Aljibes de La Alhambra en el Festival de Música y Danza de Granada 2004. Y de Antonio Alvarado son todos los figurines del ambicioso espectáculo ‘Flamenco Hoy de Carlos Saura’. El diseñador de moda, al aceptar este reto, tuvo en cuenta “la funcionalidad del vestuario, que no impida el movimiento y que dé una fotografía bonita”. Y como en sus colecciones, hizo “guiños a los elementos del traje tradicional”.


Joaquín Cortés vestido de Gaultier en 'Mi soledad' / Sara Baras con un diseño de Sybilla en 'Carmen' / Diseño de Antonio Alvarado para 'Flamenco Hoy de Carlos Saura'

Aunque los resultados de estas colaboraciones han sido espectaculares, los hacedores del vestuario que lucen la mayoría de los bailaores y bailaoras de flamenco son más anónimos que mediáticos. Sastres y modistas guardan en sus talleres especializados los secretos de los cortes clásicos más adecuados para los pasos y mudanzas de bulerías, alegrías y seguiriyas. Hay una prenda, en particular, cuyo dominio lo tienen pocos: la bata de cola. Una de ellas es Lina y las suyas las han lucido desde Matilde Coral a Merche Esmeralda, pasando por Joaquín Cortés… sí, ella cortó aquella icónica bata. Otro astro de la aguja es Justo Salao, quien ha vestido a bailaoras como Manuela Carrasco y Cristina Hoyos, y confeccionado el vestuario de ballets enteros. El último trabajo visto sobre los escenarios ha sido el de ‘Tranquilo alboroto’ de Rubén Olmo. El atuendo masculino tradicional, compuesto de pantalón de talle alto y chaquetilla corta, también tiene su misterio. Y entre quienes lo guardan está el sastre madrileño González.

Tienen un papel cada vez más relevante los vestuaristas especializados en artes escénicas. Los hay con nombre, como Yvonne Blake, una diseñadora y figurinista, ganadora de un Oscar en 1971, que ha creado vestuario para la Compañía Andaluza de Danza, para el Ballet Nacional de España y para compañías como la de Rafael Amargo. El cordobés Jesús Ruiz, además de realizar numerosos trabajos para óperas y musicales, ha ideado el ropero de espectáculos flamencos como ‘El loco’ del Ballet Nacional de España, ‘¡Viva Jerez!’ o ‘Perspectivas’ de Mercedes Ruiz.


Vestuario de Jesús Ruiz para '¡Viva Jerez!'
(Foto Vivajerez.net)

Quien plasmó la originalidad que María Pagés quería dar al vestuario de su espectáculo ‘Sevilla’ fue Christian Olivares, que también diseñó en paralelo la escenografía. “Aquí el vestuario empezó a marcar la estética desde el principio. Está todo hecho a mano, todo teñido a mano y cada modelo es diferente”, explica la bailaora y coreógrafa. Y destaca la dualidad de ciertos figurines: “En ‘Banderillas’ el traje era mitad toro, mitad torero. Y fuimos hablando a partir de ese diseño de cómo iba a ser la coreografía. Aparte, han trabajado artesanos como María Calderón que ha hecho un trabajo de teñido, de aplicaciones, de bordados y de estampados, que ha sido maravilloso. De cerca, cada traje es una joya”.


Bocetos del vestuario de 'Sevilla' de María Pagés

La creatividad se desborda entre los creadores más jóvenes. Y un ejemplo de ello es el trabajo de Yaiza Pinillos para obras como ‘Bailes alegres para personas tristes’ de Belén Maya, ‘Complot’ de Chanta la mui o ‘Tauro’ de Manuel Liñán. La diseñadora canaria, que participó en la muestra ‘Dressed to dance’ del Guggenheim de Nueva York, llegó a la danza flamenca de la mano de Olga Pericet, algo que le agradece pues “me ha permitido un nivel de expresión plástica y de libertad creativa, que a veces en teatro no se acepta”. Y tuvo que aprender cuáles eran sus peculiaridades: “La primera cuestión práctica a la que te enfrentas a la hora de diseñar para danza son los materiales. En teatro impera el tono y la caracterización del personaje, pero en danza, además de esto, la tela ha de bailar, ha de acompañar al bailarín para que el vestuario intensifique su expresión y movimiento”. Y matiza que “en danza la creación de una imagen bella a partir del vestuario es una obligación y disfruto mucho viendo cómo los artistas se sienten embellecidos, seguros y fuertes para entregar todo su arte”.

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Figurín de Yaiza Pinillos para 'Rosa, metal, ceniza' de Olga Pericet

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Diseño de bata de cola de Yaiza Pinillos para Belén Maya

 

Uno de los acentos lo pone, cómo no, en la bata de cola. Asegura que para ella es “el objeto sumo de mi creación plástica. Una bata de cola supone un lienzo cuya complicada estructura de volantes, costuras, pliegues y telas sobre telas me ofrece la posibilidad de crear milagros ópticos. Me he especializado en la creación de efectos sobre las telas. Investigo sobre las posibilidades de los tejidos, cómo hacer que una determinada seda parezca metal después de haberla sometido a varios procesos químicos, procesos de oxidación y quema de fibras que hacen aparecer transparencias en los tejidos”. Precisamente, ha estado recientemente en la prestigiosa Saint Martins School de Londres haciendo varios cursos sobre investigación de efectos sobre tela. Y esa investigación ya la ha aplicado en ‘Rosa. Metal. Ceniza’ de Olga Pericet, estrenado en el Festival de Jerez 2011, como relata gráficamente en su interesante blog.    

A una nueva diseñadora como ella es inevitable preguntarle que si es posible innovar en un género tan marcado por la tradición. Y responde que hay mucho por hacer: “Por esa ortodoxia que existe en el flamenco, pocas innovaciones se han hecho. Lo cual es muy bueno, porque ha sentado unas bases muy sólidas sobre cada prenda; cada prenda flamenca es un clásico”. Así que lo encuentra muy inspirador y un amplio campo de investigación pues, “respetando las bases clásicas de cada prenda, se pueden introducir nuevos efectos y crear nuevos resultados sin faltarle al respeto a la tradición y cultura que cada prenda guarda”. Todo depende también de “las ganas de innovar que tenga el bailaor o coreógrafo”. Aunque, en su caso,  siempre se ha encontrado con bailaores “con enormes ganas de innovar y dar una mirada fresca, inteligente y de innovación sobre el clasicismo”.

 
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Concha Jareño con bata de cola de Concha Jareño (Foto Daniel Muñoz)

A estos profesionales se suman también algunos bailaores y bailaoras que tienen tan claro cómo vestir sus danzas, que hacen sus propios diseños. Rafael Estévez y Nani Paños dibujan los figurines de sus obras, como hicieron en ‘Flamenco XXI’ y ‘Sonata’. Como su trabajo tiene muy en cuenta la investigación de las raíces de los bailes españoles, procuran que “en estilo y forma, sea lo más fiel posible a la época o temática que estemos utilizando”. Lo hacen con una visión “estilizada, aunque también hemos hecho reproducciones exactas” de modelos que encuentran investigando, en fotos y libros antiguos. También gustan de poner a convivir épocas, “mezclando en una misma escena a un bailarín con camiseta y a una bailarina con tutú”, detallan.

Y hay hasta quien llega a confeccionar sus diseños. Es el caso de la jerezana Inmaculada Ortega, que hasta cose por encargo para compañeras. Y también el de Concha Jareño, una autovestuarista casi autodidacta criada entre las telas de la tienda de su madre. La mayor parte del vestuario de su ‘Algo’ está creado y cosido por ella, incluida la bata de cola. La bailaora madrileña considera muy interesante el proceso: “No tiene nada que ver el final con lo que al principio pensé. Yo corto algo y luego se va transformando. Ahora estoy con un traje y todo es un ‘sinsaber’ hacia dónde va”. Así que todo en su danza es muy personal: desde el movimiento, hasta los volantes.

Más información:

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Concha Jareño
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